Блог Бустер

усилитель блогов

Что это?

Каталог блогов + каталог RSS + рейтинг блогов + комментарии - все это Блог Бустер.

Blog Booster увеличивает силу вашего блога, его видимость в интернет и добавляет вам новых читателей, в том числе с помощью функции Booster (в правом сайдбаре).


АРТмоСФЕРА


  • - 26-08-2013
    Интервью
    Дарья Маркова: «Мои картины совершенно не понимали, спрашивали “Что это?”…»

    Дарья Маркова – молодой петербургский художник, решивший, что для её искусства, так долго скрываемого от широкой публики, пришло время… Через что пришлось пройти этому смелому и вдохновленному мастеру? Как заказчики находили её, несмотря на довольно скрытный образ жизни? И какую роль в её творчестве сыграло золото? 

    Об этом Дарья рассказала арт-агентству "ConSferArt" в специальном интервью.
     
    Дарья Маркова.
    Фото из архива художника
    ConSferArt: Дарья, с чего начинался ваш путь в искусство?
    Дарья М.: Со страха родителей, наверно. Когда встал вопрос о выборе профессии после школы, мама была в ужасе, узнав, что я хочу быть художником. Она была уверена, что все творческие люди – бедные и рафинированные, им трудно приходится в жизни. Отчасти это, может, и так. Но творчество наполняло всё моё детство, я не видела себя ни в чем другом. А мама хотела, чтобы я пошла на медицинский. А какой из меня медик? Я ни сном, ни духом об этом! Потому пришлось проявить настойчивость. Решила поступать в Ленинградское художественное училище им. В.А. Серова. И сделала это.

    ConSferArt: Ваша мама была огорчена?
    Дарья М.: Я думаю, что в душе она была рада, что я стала заниматься любимым делом. Просто очень боялась за меня, за то, как я смогу устроить свою жизнь в будущем в неустойчивом творческом мире, как найду в нём место.

    ConSferArt: Как протекала ваша жизнь в ЛХУ? Вас любили преподаватели?
    Дарья М.: Мне очень повезло с преподавателями! Особенно теплые отношения были с преподавателем по рисунку, который действительно стал моим наставником. Именно он разглядел во мне склонность к мистицизму. А это было в те времена, когда нельзя было даже Булгакова купить! Он поддерживал меня, когда я отображала свои внутренние переживания в произведениях, даже если это было в весьма необычных формах.
    Мой наставник открывал мне удивительные произведения литераторов и кинематографистов. Например, рассказывал про редкие однодневные кинопоказы сюрреалиста Луиса Бунюэля в каком-нибудь ДК. Это сейчас всё можно найти в Интернете, а тогда это было великим событием, передававшимся в строгой секретности из уст в уста.
     
    Маркова Д. Крылья. 
    Холст, масло, 2013 г.
    Фото из архива художника
    ConSferArt: После окончания ЛХУ вы продолжили развивать свои мистические взгляды в живописи?
    Дарья М.: К сожалению, я быстро вышла замуж, родила сына и не смогла продолжить образование в ВУЗе. Хотя, конечно, мечтала об этом. Но жизнь, распорядившись иначе, всё же дала мне силы и осознание, что я могу развиваться и сама. И потом я стала писать снова.

    ConSferArt: Как ваши работы оценивали коллеги? Общаетесь ли вы сейчас с другими художниками?
    Дарья М.: Да на заре своего творчества я столкнулась с полным неприятием в профессиональных кругах. Например, один преподаватель из художественной школы, который когда-то очень хвалил мой рисунок, как-то сказал позже про одну мою картину: «что это за лица в небе? я не понимаю…». Я не расстроилась, просто осознавала, что в тот момент должна быть сильной и думать о своем развитии, а не о мнениях других.
    Сейчас я почти не общаюсь ни с кем из художников, слишком долго не хотела выпускать свои произведения в мир. Надеюсь, скоро это изменится.

    На одной из выставок серии "Бугенвилия".
    Фото из архива художника
    ConSferArt: А как же участие в учебных и позже профессиональных выставках? Большинство художников только к этому и стремятся. 
    Дарья М.: Я почти не выставлялась, писала только на заказ, но, кстати, очень много. Например, был период, когда мне заказывали только духовные портреты. Я очень любила изображать внутреннее состояние людей и событий. Возможно, это привлекало заказчиков и без выставок. Я сама была в активном духовном поиске себя и своего самовыражения в этом мире. Показала пару раз свои картины в духовных центрах и один раз - в МЦР им Н.К. Рериха. Возможно, это и предопределило дальнейшее развитие моего искусства.

    ConSferArt: Сейчас вы тоже пишите портреты?
    Дарья М.: Не только. В последнее время меня больше увлекает абстракция. Я и раньше ею увлекалась, создавала целые серии.

    ConSferArt: Какая серия ваша самая любимая?
    Дарья М.: Одной любимой точно нет. Проходит время, проходит какой-то период в жизни, и серия также логично заканчивается. Сейчас в моей жизни происходят такие же события, как в цикле «Солнечный ветер». Сейчас у меня алый пурпур на золотом фоне, и для меня это солнечный свет, изобилие земли, жар огня. Это жизнь, наполненная и звенящая. Это то, что управляет мною изнутри.

    ConSferArt: А чего обычно от вас хотят заказчики?
    Дарья М.: То, что зацепит, заставит встрепенуться, на что можно смотреть, не отрываясь. Если речь идет о портрете, хотят видеть глубину, истину, а если об абстракции – чтобы отлично смотрелась в интерьере.
    Маркова Д. Пу Аби. 
    Холст, масло, 2013 г.
    Фото из архива художника

    ConSferArt: Откуда у вас взялась такая тяга к золоту и потали? В наше время разве ценность золота уже не кажется слишком преувеличенной?
    Дарья М.: Для меня золото – это как раз то, что сохранят свою ценность, несмотря ни на что. Что бы из него не сделали - унитаз или статую Будды – оно будет золотом, не поржавеет и не окислится. Это благородный металл. Но кто-то видит в нем Солнце, а кто-то фальшь. Это уже к вопросу о самом человеке.

    ConSferArt: Вы так вдохновенно рассказываете о своем творчестве. А ваша семья разделяет это увлечение?
    Дарья М.: Да! Более того: мой сын учится на режиссера игрового кино, что, собственно, близко по духу к живописи.

    ConSferArt: Если вдруг случится так, что искусство вам перестанет приносить радость и вдохновение, чем тогда займетесь?
    Дарья М.: Уйду в пещеру, сяду в позу лотоса, и будь что будет. Шутка, конечно. Я никогда не думаю о том,  что будет. Вот наступит ситуация, и я тогда её буду решать.
    Маркова Д. Стремление. 
    Холст, масло, 2013 г.
    Фото из архива художника
    Перепечатка, копирование и любой другое использованием материалов интервью возможно только с согласия автора и при наличии активной ссылки на источник! Заявки присылайте на почту [email protected] 




  • Тайная сторона потали - 06-08-2013
    Оксидированная поталь.
    Фото: поталь.рф
    Автор статьи: Наталия Субботина

    Времена меняются, а ценность золота не уменьшается. Поэтому в современном искусстве золочение все так же актуально, как и многие века назад. Золочение поталью и сусальным золотом применяется во множестве областей от архитектуры до моды, от кулинарии до дизайна. Везде находят применение золоту современные мастера. А с чего все начиналось?

    История золочения зародилась сотни лет назад во времена фараонов и императоров. Родиной первичного материала – сусального золота – являлась Древняя Индия. Оттуда слава о новом материале дошла до египетских фараонов. Они стали активно использовать золото для украшения гробниц, тронных залов и всего, к чему прикасалась их рука. И это не удивительно, ведь золото всегда символизировало собой власть и богатство.

    В Европе золочение стало популярным XIII веке, тогда оно переросло в целую ремесленную отрасль. Лучшие мастера жили в Германии, таких городах как Нюрнберг, Фюрт и Швабах. Стоит заметить, что многие другие европейские страны развивали у себя это направление, но ни один французский или английский мастер не мог сравниться с немецким ремесленником.

    Маркова Д."Маки".
    Картина написана с использованием потали.
    Фото из архива Дарьи Марковой
    В России золочение вызвало ажиотаж в XVI веке, тогда работала целая фабрика «волоченного и плющенного» золота в Москве. Отдельным витком в истории золочения была иконопись. Практически ни одна икона не обходилась без золота, что остается актуальным и по сей день.

    Позже было изобретено твореное золото – смесь сусального золота и опилок металлического золота. В XVII веке было сделано еще одно открытие – ртутное золото, получаемое путем нагревания и выпаривания ртути.

    В наши дни яркими примерами использования золочения в России является 72-метровый шпиль Адмиралтейства в Петербурге, фонтан «Самсон» в Петродворце, покрытый 5-граммовым сусальным золотом.

    После массового увлечения золотом появилась поталь – современная имитация сусального золота. Поталь представляет собой разные сплавы металлов. Например, это может быть сплав меди с цинком или серебра с алюминием. На готовые листы этих сплавов наносят защитное покрытие, предотвращающее потемнение материала.

    Поталь.
    Фото из архива Дарьи Марковой
    Поталь имеет свои особенности. Например, её можно применять только для внутренних работ и декораций. Отличается и цена. Поталь – более доступный материал, чем сусальное золото. Также стоит учитывать то, что поталь блестит ярче, чем сусальное золото. Иногда это портит вид готового изделия, создает впечатление «слишком новой» вещи. Чтобы нейтрализовать эффект, поталь покрывают битумным воском, битумным лаком или просто жидким битумом. Когда эти средства высыхают, образуется патина.
    Существует несколько цветов потали: два основных – «2,5» и «2» (цвет сусального золота зависит от числа карат: чем золото чище, тем ярче будет выглядеть изделие). Она может имитировать серебро или медь, также встречается поталь зеленого и фиолетового цветов. Есть поталь оксидированная - это поталь, подвергнутая принудительному окислению. На листе потали образуются необычные рисунки, которые отлично подходят для творческих работ. В продаже материал встречается в листах, рулонах, крошке, книжках. Последний вариант - самый удобный для работы художников.

    Можно долго говорить о цветах и формах потали, но всегда интереснее узнать мнение специалиста, работающего с этим материалом. В Санкт-Петербурге мы нашли такого мастера. Это художник Дарья Маркова. Она пишет картины маслом и часто использует поталь. Вот, что она нам рассказала.

    Наталия С.: Что привело вас к использованию потали?
    Маркова Д. "Бугенвилия".
    Картина написана с использованием потали.
    Фото из архива художника

    Дарья М.: Наверно, нет особой причины, просто я люблю золото, люблю его тепло, его свет, его способность отражать цвета и играть светом. Оно несет спокойствие, умиротворение, глубинное расслабление и уверенность. Я никогда не пишу картины из состояния ума, я пишу сердцем. А, значит, это – мое состояние, это то, что льется само собой. Творчество – это вдохновение, «мгновенное присутствие», и невозможно объяснить, почему мы что-то любим, мы просто любим. Поэтому сегодня золото, а завтра может быть что-то другое.

    Наталия С.: С какими особенностями материала и трудностями вы сталкиваетесь, когда пишете свои картины? 

    Дарья М.: Нет права на ошибку. Те картины, где поталь идет фоном, как в «Бугенвилии», например, нельзя ошибиться в мазке. Это как каллиграфия, любой промах будет виден.

    Наталия С.: Каким видом потали вы пользуетесь и как её наносите? 

    Дарья М.: Поталь просто бывает разных цветов, я использую обыкновенное «золото». Использую современный акриловый клей на водной основе, наношу на поверхность холста, предварительно выкрашенного или прогрунтованного в охристый цвет, затем беру руками листы потали и просто кладу на клей, приглаживая кисточкой. 
    Я привыкла это делать, и листы ложатся ровно, хотя, конечно, они очень капризны, хрупки и ломки, нужно следить, чтобы не было движения воздуха. Руки я посыпаю тальком, дабы поталь не липла. Затем, после того как все листы нанесены, даю изделию постоять часов 5-8, и мягкой щеткой "приглаживаю" поверхность. Мне слегка шероховатая фактура больше нравится. Потом в процессе написания картины (если это абстракция) я просто кладу листы на свежую краску, они прилипают, высыхают и повторяют объем масляного мазка.

    Наталия С.: Нравится ли заказчикам эффект золочения и просят ли они сами его воплотить в произведении?


    Дарья М.: Заказчикам нравится. Более того - первый раз меня именно попросили сделать картину с золотом (это было лет 8 назад), с того заказа и началась моя любовь к потали.

    Наталия С.: Как поталь влияет на сохранность произведения?
    Дарья Маркова за работой.
    Фото из архива художника.


    Дарья М.: Поталь никак не влияет на сохранность.

    Кажется, поталь может стать отличным вариантом для художников, ищущих нечто особенное и для заказчиков, желающих воплотить в своем произведении всю красоту, богатство и статус, которые дарит золото. 

    Перепечатка и использование текста и фотографий возможны только с согласия автора статьи и при наличии активной ссылки на эту страницу. Со всеми вопросами обращаться: [email protected], арт-агентство "ConSferArt"

  • Ликбез по античному искусству. Часть 1. Архаика. Архитектура. - 20-08-2012

    Здравствуйте!
    Хотите знать об античном искусстве, но теряетесь в его терминах и деталях? Не беда. Ликбез по античному миру станет для вас спасением. А если возникнут вопрос ы- пишите в комментариях!

    Итак. Античное искусство нужно делить на 3 важных периода. Конечно, периодизация – дело специфическое. И многие историки искусства скажут, что в античности куда больше периодов. Но ведь основных и самых плодотворных 3. И будет проще, если вы будете знать именно о них.
    1)     Архаика
    2)    Классика – расцвет
    3)     Эллинизм


    Поговорим о первом. Архаика. 

    Как запомнить, когда она была? Просто.
    С 7 до последней четверти 5 века ДО нашей эры.
    Ведь это же архидревний период! Значит, архаика была ДО той поры, как начался наш «век».

    А так как вся Европа считает число 7 самым счастливым, вот архаическое искусство, давшее счастливое начало развитию искусства в дальнейшем, и начало свой отсчет, конечно, с «счастливого» 7 века. Арахика была отличным периодом? Конечно! Значит, смело ей ставим «5» и завершаем период этим же числом.

    Теперь вы точно знаете время архаического периода древнегреческого искусства.

    Что творилось в той далекой эпохе в Греции? Почти то же, что и у нас сейчас в России – социальное неравенство, борьба простого люда (а в античности – демоса) с верхами (аристократией), рабовладельческий строй. Но были и плюсы: возникновение письменности, медицины, истории, изобразительного искусства. И в это время появилось мировое зло – деньги.

    Вот на фоне этих тенденций появляются и гениальные изобретения в искусстве. 

    Мы узнаем, что такое:
    - дорический и ионический ордер,
    - основные виды скульптуры: статуи кор (это девы) и куросов (это мужы)

    Развивались виды искусства: архитектура, скульптура, вазопись.

    Архитектура.

    На чем держится дух общества? На религии, верно. Вот и основное сооружение в Древней Греции, конечно, храмы.

    Впервые стали для их строительства использовать основу основ - камень. Храм для древнего грека – это святыня, центр всего города, место празднеств и важных городских собраний. Храм – символ и красота города. Логично, что каждый из полисов (это города, в них жили древние греки) хотел иметь храм получше.

    Храм, чтобы стоял хорошо, должен иметь систему. Система несущих и ненесущих стен, частей храма – основа для его надежности. И вот эта система зовется ордером. Ордер начал развиваться в архаику.

    2 первых ордера:
    - ионический (был распространен в основном на территории Малой Азии – в Ионии),
    - дорический (в Великой Греции, т.к. юг Италии и Сицилия + Пенелопоннес).

    Храмы были нескольких типов.
    1)     Дистиль – или «храм в антах»
    Ди – т.е. 2. Анты – это стены. Что получается? 2 колонны между стенами. Самый простой типа храма.
     2)     Простиль – колонн уже 4!


    3)    Амфипростиль – это два предыдущих храма вместе взятых. "Амфи" с греческого означает «двойственность»: колонны уже по обеим сторонам.

    4)     Периптер. Храм весь по периметру окружен колоннами. 
    5)     Диптер. Ди – это 2, помните? Удвойте периптер.

    6)     Моноптер. Моно – это 1. Догадываетесь? Вокруг 1 центра «вертятся» все колонны.


     Чтобы было ясно, как строился дорический храм от основании до верха, посмотрите схему.

    3 ступени снизу – стереобат и столобат, потом ордерные колонны – они стояли просто на стилобате, без базы.

    Энтазис нужен был для того, чтобы издалека колонны не смотрелись тонкими и кривыми. 
    Такая уж особенность нашего глаза. Обязательно нужно утолщение, тогда мы увидим колонны стройными. Ну а наверху - капитель (из абака и эхина). Она поддерживала «крышу» храма – антаблемент. Посмотрите, из чего он состоит. Треугольное завершение крыши – это фронтон,на картинке он не указан.

    Теперь Ионический ордер.


    Чувствуете разницу? Ионическая колонна более изящная, в ней больше мелочей: есть база от стилобата. Красивая волюта наверху. А утолщения у колонн не было, т.к. это дорическому ордеру нужна была основательность и монументальность, а ионическая колонна легкая и сужающаяся кверху.

    Храмы, кстати, раскрашивали в синий, красный цвета. Золотили детали карниза. Красота была!..

    Запомните два важных храма этого периода:

    Дорический Храм Аполлона в Коринфе (2-ая пол. 6 века до н.э.).

    Этот храм – дорический периптер. Постарайтесь не подглядывать в схему и вспомните, что же это за такой храм. От него мало что осталось, но все же картинка заманчивая (с сайта www.greek.ru).

     Ионический храм Артемиды в Эфесе – 1 из 7 чудес света. О нем много написано в интернете. Не поленитесь отыскать интересные истории. На картинке (с сайта www.screen.ru)  представлен он в созданном на компьютере виде. На самом деле от него сохранилась 1 одинокая колонна.

     Также хороши постройки из Пестума. Храм Геры, например, или Афины. Теперь вы знаете всё об архаической архитектуре. 

    В следующей статье мы поговорим об архаической вазописи.

    На ваши вопросы отвечает арт-школа ConSferArt


  • Первый художественный центр России и уроки классицизма - 26-09-2011

     Сегодня решила написать об очень важном явлении в истории искусства. Даже двух. Они сыграли неописуемо важную роль в развития искусства и имеют значение даже сейчас. Впрочем, обо всем по порядку.

    Конечно, первый художественный центр России – это Академия художеств. Именно она, начиная с 1757 года - времени её основания, определила последующее развитие и пути русского искусства. Академия художеств была единственным в России высшим художественным заведением, где обучались живописцы, графики, архитекторы, скульпторы. 

    И.И. Шувалов

    Инициатором создания Академии был Иван Иванович Шувалов. Многим знакомая фамилия. Он в те годы был также куратором Московского Университета. Великий человек науки. Конечно, императрица Елизавета Петровна поддержала своего фаворита. 

      Как учили в Академии начинающих художников? 

            Основа обучения – искусство «старых мастеров», в особенности античности. А что это значит? А то, что все, что выходило из-под руки художника, должно было стать идеальным. Природа должна была быть улучшена, окружающий мир исправлен под каноны, близкие идеальному просветительскому обществу и нравственным идеалам. 
          
                Самое важное для художника – работа с натурой. Рисование и лепка с натурщиков
    занимали значительное место в обучении.

    Но вот пришел 1764 год. Уже 2 года как правила Екатерина Великая. И с новым правителем, казалось бы, должны были смениться правила. Так оно и случилось. Академия принимает новый устав. И совершается одно из самых значительных событий: открывается Воспитательное училище при Академии для детей с самых малых лет. 

    Академия воспевается в лестных отзывах великих философов и ученых того времени. Поэт А.П. Сумароков подчеркивает воспитательную функцию Академии и просветительскую миссию искусства.
    Почетным членом Академии избирается М.В. Ломоносов. Он был помощником Шувалова еще при начальных стадиях зарождения Академии художеств. Он говорил об особой способности русских мастеров к высоким искусствам, их остроумии.Хвала и благостные отзывы способствовали развитию высшего заведения. 

    Первый художественный центр России избрал своим ведущим направлении ем, конечно, классицизм. Почему? Да просто так было принято в Европе, куда еще Петр Iпрорубил окно. И все последующие цари глядели в него ежечасно, и, конечно, на Европу ориентировались.
    Да и создана была Академия по европейским образам. Русским надо было с чего-то брать пример. 

                                            Какие идеалы царили в стенах Академии? 
    Самые высокие. Патриотичность, служение своему народу, восхищение внутренней и внешней красотой человека, гармония. Идеальные качества для идеальных людей! Англия и Франция стали родоначальниками этих высоких  планок, и от них, с идеями просветительства, унаследовала благородные цели и Россия. 

    Огромным плюсом Академии был диалог с художественной Европой. Это уже не слепое ученичество и подражание европейским мастерам, как было при петровском «пенсионерстве». Это уже полноценный обмен опытом и знаниями, которые позволили русским мастерам стать узнаваемыми в Европе. 

    А.П. Лосенко. Владимир и Рогнеда. Ранний классицизм
    Русский классицизм, при первом взгляде, похож на европейский. Но есть одно большущее НО. В Европе была велика роль жесткого подчинения абсолютному государственному началу. России же это было чуждо. Мы были более близки задушевным и теплым чувствам. И, кстати, этот факт приближал российский классицизм к его прародителю – античному искусству. Конечно, наш классицизм ложился на русские традиции и впитывал российский дух. Он был менее официален. Поэтому его своеобразие становилось всё более заметным. 

                        Какие этапы прошел
                     российский классицизм?   
    Обычно принято выделять 3:

    1.       Ранний (60-е-пер.пол. 80-х гг. XVIII века)
    2.       Строгий (зрелый) – 2я пол. 80-х – 90-е гг. XVIII века).
    3.       Поздний (до 30-х гг. XIX века). 

                         Какой же живописный жанр лучше всего выражал идеи классицизма?  
    Конечно, исторический. Библейские и античные сюжеты, национальная история России – всё трактовалось согласно просветительским высоким идеям. Гражданственность, патриотизм, героизм – вот главные черты исторического жанра. 

    В Академии существовал целый исторический класс. И его первым профессором был А.П. Лосенко.  Яркими представителями классицизма и исторического жанра стали П.И. Соколов, Г.И. Козлов, И.А. Акимов и Г.И. Угрюмов. 

                                                                          *       *       *
    На этом мы завершим обзор зарождения и расцвета исторического жанра и его связей с Академией художеств. Классицизм начинает претерпевать изменения. Особенно под воздействием реализма. Развивается портрет, к концу века появляется сентиментализм и черты романтизма… А это уже совсем другая история.

    Г.И. Угрюмов. Усмирение сил Яна Усмаря. Зрелый классицизм.

    Заказать копии картин известных художников классицизма можно и в наше время. Они станут украшением исторических интерьеров патриотичных граждан.

    ВНИМАНИЕ! Копирование текста без активной ссылки на эту страницу запрещено!


  • Снова женщины-художники - 21-09-2011
    На той неделе провела лекцию в музее и галереях современного искусства ЭРАРТА. Снова темой лекции были женщины-художники. Ранее я уже проводила такую встречу, но в этот раз материалы дополнила новым слайдами и именами.
    Лекция прошла замечательно. Особенно впечатлила дискуссия, которая развернулась после неё. Проблема самовыражения художника (даже не женщины) затронула каждого слушателя.

    Рецензия журналиста из ЭРАРТЫ опубликована на их сайте. Почитать можно здесь: http://www.erarta.com/pressa/report/1354/.

    Лекции о женщинах-художниках проходят с успехом, думаю, что и дальше я время от времени буду читать их с более интересными дополнениями.


  • «Я выполняю произведения, достойные статуса и заслуг человека» - 29-07-2011

    Интервью с Татьяной Стрежбецкой
    Татьяна Стрежбецкая
    Главенствующую роль в иерархии живописных жанров всегда занимал портрет. Это, пожалуй, то, что никогда не утратит своей актуальности. Несмотря на шкваловое развитие фотографии, живописные полотна находят не меньше ценителей. Заказчики живописных портретов отдают себе отчет в том, что произведение может навсегда увековечить в истории их личность и деяния. А если работа окажется кисти известного и талантливого мастера, то в будущем заказной портрет может стать настоящей жемчужиной частной коллекции. 

    Чем сейчас характерно искусство живописного заказного портрета и каковы перспективы этой традиции, рассказала петербургский художник Татьяна Стрежбецкая. 


    - Здравствуйте, Татьяна! Вы известный в Петербурге мастер. К Вам обращаются популярные певцы и актеры с просьбой написать их портрет.  А чем отличается портретирование знаменитых людей, от написания малоизвестных личностей?

    - Здравствуйте. Для меня лично нет разницы, пишу ли я малоизвестного или наоборот популярного человека. Каждый человек интересен по-своему. Кого-то сегодня может никто не знать, а завтра он станет знаменитостью, может, даже благодаря портрету.
    В людях, не достигших известности,  есть то, чего сложно найти в «звездах». Это естественность и простота. Способность быть самим собой. 

    - А как происходит работа над портретом? С чего Вы начинаете? 

    - Конечно, сначала происходит встреча, где я общаюсь с человеком. Показываю свои работы, приглашаю в мастерскую. Если я вижу, что человек сомневается во мне – сразу отказываюсь от заказа. Если же ему импонируем моя манера написания произведений, начинаю работать. Сначала представляю образ в голове, и потом он переходит на бумагу. 

    Т. Стрежбецкая. Портрет московской светской львицы
    С актерами сложно. Приходится много общаться, чтобы выявить их истинный характер. Иногда я до нескольких месяцев трачу на наброски и поиски. А иногда хватает получасового общения и 15 минут на эскиз. Конечно, все наброски я всегда обсуждаю с заказчиком. Известным людям далеко небезразличен результат моей работы. Люди сцены всегда разные, постоянно играют какие-то роли, поэтому много времени и сил уходит на то, чтобы «поймать» их истинный образ.
    Еще одна сложность возникает во времени. Актеры не могут долго позировать. Вот тут помогает моя отличная фотографическая память. Иногда я делаю несколько фотографий, чтобы использовать их как шпаргалки. Но это – не основа моей работы. Никакая фотография не способна передать личность человека и его душу. Я всегда обязательно встречаюсь с моей будущей моделью. Основа портретов – это моё впечатление. И полностью по фотографии я никогда не работаю. Это халтура, а я этим не занимаюсь. 

    - А как часто заказывают у Вас портреты? Успеваете выполнять все задания?

     - Люди любят себя, поэтому заказывают постоянно. Чаще, когда видят другие мои работы. Или после того, как я для себя пишу портреты, герои которых их затем выкупают. Для многих важен процесс создания произведений. Ведь позирование – это не просто неподвижное сидение на месте. Это общение между моделью и художником. А за приятной беседой с чашкой ягодного чая время быстро пролетает.

    Т. Стрежбецкая. Портрет петербургского режиссера
    - Пожалуй, беззаботно болтать и позировать для собственного полотна – удовольствие не из дешевых. Кто может позволить себе заказать портрет?

    - Конечно, хороший портрет дорог. Я выполняю произведения, достойные статуса и заслуг человека. Есть и роскошные шикарные портреты, а есть и просто подарки от чистого сердца. В России не привыкли оплачивать труд и мастерство. Но делать это необходимо. И, к радости, близкие к творческой сфере люди это понимают. 

    Наверно, позволить себе заказной портрет может каждый. Другое дело, какой художник его будет исполнять. Цена зачастую зависит не только от мастерства, но и от популярности художника,  образования, количества его выставок и достижений. Кто-то покупает имя художника, а кому-то оно совсем не важно. Каждый выбирает то, что ему ближе.

    - О чем нужно знать и помнить заказчику живописного портрета?

    - По своему опыту скажу, что не каждый осознает, что работа над портретом – это колоссальный эмоциональный труд, а не развлечение. Качественный портрет не появляется за пару часов по фотографии. Часто каков материал, таков и результат. Он никогда не будет хорош, если у художника перед глазами обычное фото незнакомого человека, о котором он ничего не знает.
    Если работа ведется маслом, то нельзя художника торопить, так как необходимо, чтобы на нужном этапе краски успели высыхать. На картину обычно уходит около месяца и больше, ведь хорошие портреты не пишутся за пару дней. Часто на цену влияет качество работы, технические тонкости выполнения произведения. 
    Т. Стрежбецкая. Портрет актрисы театра Буфф

    - А существует ли какая-то мода на портреты и стили?

    - Мода на портреты будет всегда, а вот на стили – мода переходящая. Чаще предпочитают классику и импрессионизм. Классический портрет всегда будет украшением любого интерьера.
    Самое приятное – это когда показывают место, где будет находиться и висеть портрет. Я уважаю таких людей, которые осознают важность окружения для живописного полотна. Ясно, что человек относится к работе не как к какой-то фотографии или картинке, а серьезно осознает её роль.
    - А есть ли люди, которых вы не любите или не хотели бы писать?
    - Пока, наверное, не встречала, так как я писала портреты с ярких и светлых людей. Но иногда происходят странности – бывает, что работы часто падают или настолько не получаются, что приходится брать новый холст и начинать сначала.

    - Интересные детали! Но надеюсь, что в будущем у Вас всегда всё будет исполняться просто и без усилий. Спасибо за интервью!

    Беседовала Анастасия Матвиенко,
    искусствовед, художественный консультант.

    Любое копирование материала возможно только при указании действующей ссылки на эту запись!

  • Сергей Сиделёв - 28-06-2011
    Сегодня очень хочется написать о петербургском художнике, информации о котором в интернете почти нет. Это очень большой пробел, так как творчество Сергея Николаевича Сиделёва заслуживает освещения во всех источниках.

    Этот живописец, график, мастер монументально-декоративного искусства учился в Ташкенте. Закончил училище и театрально-художественный институт. И с тех пор началась творческая жизнь, которая набрала свои обороты уже в Петербурге.

    Свои работы он часто создает в содружестве с супругой Гладковой Татьяной Гавриловной. Она работает над мелкими деталями в работах Сиделёва. Сам же мастер любит быструю импрессионистическую манеру. В последнее время Сиделёв работает в новом для себя направлении - абстракции. Он создал уже несколько полотен и планирует развиваться и совершенствоваться в этом духе.

    Тем временем я отвлеклась. Потому что следовало бы упомянуть выставки, в которых принимал участие художник.

    Еще с 1998 года он постоянно экспонируется в сезонных вернисажах Союза Художников Санкт-Петербурга. На рубеже 90-х- 2000-х провел 2 персональные выставки в Петербурге.
    С 2001 года арт-альянс Сиделёв-Гладкова постоянно участвует в проектах ЦДХ на Крымском Валу в Москве.

    В 2007 году состоялась очередная персональная выставка художника, а годом позже - крупный зарубежный проект - экспозиция в рамках арт-мероприятия Rosarta в Роттердаме.

    Постоянные участия в совместных выставках позволяют альянсу S&G успешно завоевывать арт-рынок Петербурга. Их работы представлены в 6 галереях города, художники сотрудничали с компанией Газпром, аукционным домом "Константиновский" и планируют покорить новые вершины арт-мира.

    Работы Сиделёва хранятся в частных и корпоративных собраниях России, Швеции, Китая, США, Германии, Франции. И я считаю, что это - не предел. Сиделёв - полноправный член ассоциации "Искусство народов мира" и настоящий Художник, несущий петербургское и российское искусство в Европу, не забывая о родных местах.

    С. Сиделёв. Рождественский букет. Холст, масло. 50х90 см. 
    Фото из мастерской художника.

    С. Сиделёв. Рождественский букет.

    С. Сиделёв. Утро орхидеи

    С. Сиделёв. Осенняя аллея
    Копирование изображения и текста возможно только с указанием ссылки на источник!
    О приобретении картин Сергея Сиделёва можно узнать здесь: http://vkontakte.ru/consferart



  • Отзыв о выставке "Дамская тема" - 07-06-2011

    Моя рецензия на «Афише»

    Дамская тема

    В выставочных залах Центра книги и графики на Литейном, 55 арт-агентством "Сфера искусств" были представлены работы пяти творцов «женского» искусства: Алёны Светлицкой, Натальи Бакович, Светланы Кропачевой, Людмилы Пигиной и Анастасии Швецовой. Художницы абсолютно разные, их работы отличаются интересной техникой и стилем.

    Производят впечатление произведения Алёны Светлицкой. Это удивительно тем, эта художница по образованию… искусствовед (хотя и училась в художественной ... Читать полностью

     Anet Mako 07.06.2011 16:27:00 · Хорошая рецензия? · Спасибо! Спасибо!
    О выставке: Все рецензии

  • Женщина-художник: совмещение несовместимого - 01-06-2011
    27 мая прошла в рамках выставки «Дамская тема» прошла моя лекция под названием «Женщина-художник: совмещение несовместимого».

    Выбирая направление лекции, я решила, что самым верным будет доказать существование художников женского пола с помощью неоспоримых фактов, а именно, с помощью истории искусства. В этой статье я расскажу лишь о нескольких художницах, которые импонируют мне больше всего. 

    На лекции были рассмотрены художницы из многих стран, не только Европы и США, но и Китая, Япония, азиатских государств. Всего я рассказала о 43 художницах. Но на самом деле их гораздо больше. И тема достойна целого курса лекций, где художникам каждой эпохи было бы посвящено минимум 1-2 занятия. 
     Первая известная нам женщина-художник, мастер-каллиграф, жила в Китае в IIIIV вв. 

    Самое интересное, что уже с тех пор рядом с женщиной-творцом всегда фигурирует мужчина-художник: отец или муж. Исключений немного. Но до XX века было несвойственно и стыдно заниматься женщине искусством, поэтому они либо шли против воли своей семьи и наперекор общественному мнению (за что нередко подвергались позору). Либо были под защитой уважаемых родителей или мужа.

    Гуань Даошэн была замужем за очень влиятельным деятелем той эпохи - Чжао Мэнфу, это позволило её избежать нападок на её занятия неженским делом. И то Гуань всегда в своем искусстве придерживалась мужских традиций. Мало ли…

    Творили женщины и в XII веке (особенно здесь заметна Франция),  и в следующие века. Первыми же «звездочками» эпохи Возрождения стали сестры Ангиссола – Софонисба и Лючия.

    Софонисба была первой признанной художницей,  придворным живописцем при испанском дворе Валуа. Она писала портреты, преимущественно официальные. Позже и сюжеты на религиозные темы. 


     
    Представлены на слайде произведения – автопортрет Софонисбы и портрет королевы Испании – жены Филиппа II – Елизаветы Валуа. Кто был в музее Прадо в Эрмитаже, узнают эту работу – она там была выставлена. Кстати, еще в юные годы Софонисба заинтересовала Микеланджело, и он даже занялся её обучением.
     



     XVII век нам представляет много известных имен. Искусство Англии, Италии, Нидерландов свидетельствует о том, что женщин-художников становилось всё больше.
    Они уже стали получать профессиональное образование, вступать в ряды членов Академий и другие творческие профессиональные союзы художников. 








    В столице Франции в XVIII веке даже была основана первая женская школа живописи. В в следующем столетии художница Анжелика Кауфман стала одной из основательниц Академии художеств в Лондоне. 




     
    Художницы эпохи барокко и рококо покоряли своих современников милыми портретами в духе того времени. В эпоху импрессионизма сразу несколько ярких имен становятся в один ряд с мужчинами-художниками. Это Берта Моризо, Ева Гонсалес, Мэри Кассат и другие.



    В стиле бидермайер творила интересная художница из Румынии  Елена Гика. 


      Многие женщины-художники стали целыми «книгами» по истории стилей и направлений в искусстве. К таким можно отнести Паулу Модерзон-Беккер. Не забываемы для истории искусства имена Кете Кольвиц, Мерет Оппенгейм (стоявшая у истоков сюрреализма), Жанна Маммен, Камила Клодель, Ханна Хёх, Соня Делоне и многие другие. 

    Шотландия славится до сих пор известной «Четверкой» - художниками, положившими начало дизайну и направлению ар-деко. Среди них были и две сестры – художницы Маргарэт и Френсис Макдональд.  




    Одной очень интересной современной художницей Японии является сумасшедшая (в прямом смысле слова, она живет в психбольнице) художница Яёи Кусама. Её работы продаются за небывалые суммы. 






     
    В России очень большое значение сыграла ленинградская школа живописи с целой плеядой известных мастеров, чьи работы хранятся в лучших музейных и частных коллекциях России и Европы. На лекции были рассмотрены многие представительницы советского искусства, в том числе и скульпторы.


    Конечно, представленными именами далеко не ограничивается плеяда талантливых художников-женщин. 

    Несмотря на то, что они матери и жены, в своем творчестве они в первую очередь художники. 

    Искусство не имеет пола. А несправедливо забытые и вычеркнутые историками искусства в годы цензуры и негативного расположения к женской роли имена художниц следует реабилитировать. 

    Планирую этому посвятить курсы лекций, где можно будет увидеть великое женское лицо в искусстве каждой эпохи. 
     ___________
    Пожалуйста, обратите внимание, что использование текстов и иллюстраций без гиперссылки на мой блог запрещено.

  • Лекция "Что такое искусство"... - 30-05-2011
    23 мая 2011 года в рамках выставки «Дамская тема» прошла моя лекция «Что такое искусство. Как понять современного художника». По просьбам желающих публикую краткую информацию о лекции с некоторыми фотографиями.

    Я сетовала на то, что многие галеристы в Санкт-Петербурге продвигают искусство и художников совсем не так и не тех. Многие из них имеют лишь поверхностные знания об истории искусства, поэтому иной раз не в состоянии отличить действительно ценного мастера от посредственного.

    Ведь сейчас искусством стало буквально всё, что можно написать, нарисовать, вылепить, построить, - сотворить. На лекции я показывала слайды с примерами искусства – сравнение классических произведений с тем, что тоже называется искусством. Вот один из них.

    Чтобы понять, что такое современное искусство, и как мы пришли к его пониманию, был проведен экскурс в историю искусства, где я рассказывала о восприятии искусства в различные эпохи.

    Эволюция понятия «искусство» от античности до наших дней выразилась не столько в концептуальной живописи, но и в салонной. Был рассмотрен вопрос существования салонного искусства и его актуальности и соперничестве с искусством концепта, идеи и смысла.

    Отличие салонного искусства от современных арт-творений кардинально. Не только во внешнем виде, но и в отношении к подобным картинам. Салонные картины не любят галеристы и инвесторы. Хотя многие коллекционеры предпочитают иметь у себя в личном собрании именно эстетичные традиционные произведения.

    За многие «шедевры» современного искусства получают сейчас премии, которые не снились даже прославленным мастерам. Так, арт-группа Война получила премию «Инновация в разделе «Визуальное искусство».

    На лекции были рассмотрены примеры искусства, наиболее всего вызывающие непонимание: реди-мейды М.Дюшана, картины Дж. Поллока, а также произведения 5 самых продаваемых художников мира по версии журнала Forbes. Их искусство очень тесно связано с биографией самих мастеров и имеет особый смысл.

    Американцы Ричард Принс (р. 1949, проданных работ в 2009-2010 годах: 43) и Жан-Мишель Баския (1960-1988, продано работ в 2009-2010 годах: 70) открыли пятерку самых дорогостоящих художников.

    Самый дорогой в наше время скульптор - Джефф Кунс (р. 1955). Британец Питер Дойг (р. 1959) - «магический реалист» -никогда не пишет с натуры, а выражает свои фантазии.

    И завершает пятерку немец Мартин Киппенбергер (1953-1997- алкоголик, скульптор и живописец. Провокация - это основа его творчества. Лучшим стилем он считал полное отсутствие какого-то стиля.


    На лекции я постаралась объяснить, почему именно эти работы покупаются, какой в них тайных смысл. Каждое произведение имеет под собой очень глубокомысленный концепт, который и заставляет коллекционеров всего мира тратить сумасшедшие деньги на работы этих арт-творцов.

    В конце лекции мы посмотрели отрывок из фильма «о чем говорят мужчины», который, на мой взгляд, идеально описывает современное искусство и отношение к нему.



    P.S. Комментарии в блоге и на YouTube приветствуются!

  • Как отличить искусство. Пример 1. - 04-05-2011

    Итак, сегодня приведу пример, как отличить, что такое искусство, а что – нет.

     Вот 2 изображения.


    Что вы можете о них сказать?
    Что это?
    Кто это сделал?
    Искусство ли это?

    Увы, если вы не знаете этих работ, вы не ответите на этот вопрос. Но если вы знакомы с абстракционизмом, а еще лучше с абстрактным экспрессионизмом, то легко обнаружите what is what.
     
    Подсказка первая: абстракционизм.
     
    Начинайте думать, исходя из определения. Абстракционизм – это искусство беспредметное, не содержащее никаких фигур. В абстрактной живописи вы не найдете узнаваемых предметов или очертаний. Т.к. абстракционизм – это самодостаточное искусство.
     

    Абстракционизм – искусство самовыражения. Весь холст художника-абстракциониста – это поле деятельности его мысли и идеи. Обычно это полностью закрашенная (ужасное слово) краской или другим средством поверхность. И определенная композиция, расположение и сочетание красок на холсте или бумаге. Игра линий и цвета, порой диссонанс цветовых пятен и их необычные волнующие сочетания.


    Эксперименты с цветом и оттенками, восприятие этих цветов также было важно для абстракционистов. А саму суть их произведений мы должны постигать с помощью интуиции.

     

     
    Как правило, еще одна подсказка таится в названии картин. Например, «Церковь в Мурнау» (1910) Кандинского.

    Сразу на картине видишь вроде бы очертания башни, деревьев, дороги, дома… Всю эту работу выполняет наше сознание, мы додумываем увиденное, пытаемся понять чувства художника, писавшего произведение. Увидеть ту самую церковь.







    Вернемся к первым двум изображениям. Попытайтесь понять, что чувствовал художник, применяя именно те цвета, которые вы видите на картинах?
    Почему такое сочетание красок? Что они означают?


    Абстракционизм – это переживания и ощущение, горение души, чувств, разума. Это краски, яркость, их определенные сочетания. Есть ли это в обеих картинах?

    Вспомните о важности игры линий (они шевелятся, «играют») и влиянии цвета – в какой работе это выражено?

    Посмотрите на изображения долго и внимательно – какие ощущения вам передаются? Можете ли вы погрузиться полностью в каждую из работ?


    Примите решение: что из представленных работ произведение известного художника?

    Ответ может вас удивить, а может и обрадовать. 1 – это «картина», нарисованная обезьяной. 2 – произведение Марка Ротко.
    Не расстраивайтесь, если Вы не угадали. Это сложное дело, не подвластное и не понятное порой даже специалистам. Главное – вникнуть в суть абстракционизма и приблизится к его расшифровке.  

  • Заяц скорее мертв, чем жив - 26-04-2011
    «Мертвый заяц – наше всё» - под таким названием проходит в Эрарте выставка Татьянина Юрия.

    Дальше не читайте. Просто задумайтесь над этим названием.

    О чем оно вам говорит?
    О чем выставка?
    Что на ней представлено?

    Я не смогла ответить на этот вопрос, пока не попала в саму галерею. А там… зубастики. Да-да! Зубастые зайцы, которые смотрят с каждого полотна на обалдевших зрителей.

    Зубастые зайцы плавают (там, где плавать запрещено), летают в космос (когда людям нечего есть) и курят трубку (деля морковки между соплеменниками).
    Явное облачение пороков страны, которое липецкий художник воплотил в таком неожиданном формате. Кстати, про сосули и нашего уважаемого губернатора там тоже есть картина.

    Некоторые произведения – откровенное подражание Малевичу. Также есть и указания на Ван Гога. Но всё это никак не укладывается в страннейшее название выставки. Вот как его трактует Эрарта: «В давно ставшей расхожим афоризмом фразе Аполлона Григорьева «Пушкин — наше всё» фамилию Александра Сергеевича художник цинично заменяет «мёртвым зайцем». В свою очередь этот зверек сыграл одну из знаковых ролей в искусстве ХХ века, став имяреком обывателя, которому мифотворец Йозеф Бойс пытался объяснить смысл искусства».

    Самое жутковато-забавное, что живые зайы на картине тоже есть. И они очень просто отличимы: на их груди нет знака Y – шрама от препарирования.

    Тем, кто до сих пор не понял ничего, как, впрочем, и предусматривалось, есть вполне толковое объяснение. Картины Татьянина отсылают к Йозефу Бойсу, а точнее – к его перформансу "Как объяснять картины мертвому зайцу". Этот перформанс проходил в 1965 году. Йозеф Бойс полил голову медом и золотым пигментом, привязал стальную подошву к правому ботинку и войлочную к левому (подразумевая «тяжелое основание и душевное тепло»), мимикой и жестами стал объяснять свои картины заячьей тушке, которую баюкал на руках.
    Татьянин взял на себя завершение этой темы – объяснение мертвым зайцам важных тем. В первую очередь – нынешнее состояние нашей страны. Как говорят, утром в новостях – вечером на полотнах ТЮНа. И всё это можно бесплатно увидеть в галереях Эрарты, где «Гений Земли Липецкой, Художник и Книгопродавец» выставляется до 16 мая.

    Сохранить ВКонтакте

  • Развитие группы по искусству - 26-04-2011
    Новая актуальная группа, созданная мною в социальной сети, набирает обороты.
    Новые участники, фотографии, события. Безумно хочется, чтобы люди участвовали в жизни искусства. Обсуждали его, видели, знали. Без этого искусство не будет жить.

    http://vkontakte.ru/club25566927 - мой проект, направленный на то, чтобы рассказывать петербуржцам и всем желающим о самых актуальных и интересных событиях в городе.

    Это арт-гид, информер, арт-консультант в одном лице.

    Группа создана с двумя целями.
    Первая - помочь людям научиться и увидеть то, о чем они могли даже не подозревать.
    Вторая - помогать людям в подборе произведений и в создании коллекций.

    Часто многие не задумываются о том, что вместо нового мобильного телефона можно купить картину, которая принесет тебе не только удовольствие, но и доход, если вы захотите её продать через какое-то время.

    Почему?

  • Выставка Марии Гаркавенко в "Эрарте" - 22-04-2011

    В Санкт-Петербурге, в галереях Эрарты проходят две выставки – Марии Гаркавенко и Юрия Татьянина. Женщинам принято уступать, поэтому эта статья о первой персоне.

    Побывав на открытии выставки, я осталась в самых противоречивых чувствах. Первая реакция – «ужас какой-то!». И правда, это так. Черепа, девушки с отрезанными головами – это еще не весь набор «прелестей», которые нам раскрывает живопись удивительной девушки-художника.

    <-- Мария Гаркавенко



    «Здесь тяжело находиться, сплошной негатив» - отзывается один из посетителей Эрарты. Хотя по маленькой барышне лет десяти, выделывающей курьезные фуэтэ посреди зала, такого и не скажешь – она вполне довольна пребыванием в галерее среди плоскостных изображений отрубленных голов. Или просто их не замечает, наслаждаясь собственным видом в почти стене, отражающей не только барышню, но и бестелесное существо, горящее в языках пламени на заднем фоне.

    Задаешься вопросом: кого позвали владельцы галереи выставляться? Кто сотворил эти работы, которые с огромным трудом приходится называть произведениями искусства (простите, великие)? Это Мария Гаркавенко. 31-летний не художник. Надо продолжать? Ну, хотя бы ради интереса.

    Она окончила отделение художественного текстиля Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица, с 2003 года начала заниматься живописью и уже спустя 3 года вступила в творческий союз художников. (К слову, в электронных списках ни одного союза я её не нашла – случайная невнимательность или вписать забыли?). 7 групповых выставок и 2 персональных (в их числе и нынешняя выставка в Эрарте) – много ли? Конечно, вряд ли художница может позволить больше: в её статусе в социальной сети вполне очевидный безрадостный факт: «ищу работу...или возможность подработать!». Что же Вы, Мария, на работах своих не зарабатываете?

    Да, трудно нынче приходится мастерам творческих профессий. Особенно таким. Вот и подрабатывает Мария еще и продажей сумок с актуальными принтами. А чем же еще? Не картины же продавать?

    Хотя, конечно, покупатели найдутся. Лично хочу с ними познакомиться. Кто станет владельцем этих прелестей?

    Удивительно интересно описывают выставку Гаркавенко в Эрарте. «Речь, разумеется, идет о практике, субъектом которой является, ни много ни мало, человеческая душа, а целью — духовное восхождение: по мысли автора, это единственно возможный путь движения. <…> Здесь важен, разумеется, сам процесс создания работы: практика, возвращающая искусству функцию познания. Серия «Praxis», целиком и полностью основанная на личном и интуитивном опыте художника, является плодом длительной работы».

    Йозеф Бойс уверял, что каждый человек художник. Это упоминают создатели выставки. Но опрометчив был Бойс, не уточнив, что должен делать такой художник, и должен ли он картины своего внутреннего мира выставлять прилюдно? «Концепция выставки зародилась много лет назад, когда мне предложили поучаствовать в выставке, посвященной сибирскому шаманизму» - рассказывает Мария на открытии выставки. Но это переросло в общее увлечение коллективным бессознательным. Все вещи, которые происходят с человеком, являются неким символом трансформации и переходов, неких обрядов. По мнению Марии, в её работах отражено умирание одного и переход в другое, и некий переходный период.

    "В жизни так получается, - говорит Мария, - что невозможно ничего получить, ничем не пожертвовав". Не зря, наверно, художница пожертвовала живописи всё, что у неё было, потому и ищет теперь активно работу. Чтобы заработать что-то еще и снова это пожертвовать. На благо картин с отрубленными головами. Пожелаем ей удачи.

    Если для Марии живопись выступает "как самопознание и познание мира", то страшно представить, какой мир перед её глазами? Наверно, в нём ходят девушки с отрубленными головами, черепа растут из деревьев, а маленькие барышни крутятся себе посреди зала и ничего в этом не смыслят…

    А вы хотели бы окунуться в мир Марии Гаркавенко?


    (В статье использованы материалы со страницы Марии Гаркавенко в социальной сети и с официального сайта Эрарты).
    ___________________________
    Все новости петербургского арт-мира
    Твиттер об искусстве

  • Кому нужны произведения искусства? - 14-08-2010
    Доброго времени суток, уважаемые читатели! Сегодня я расскажу о том, кто является покупателем произведений искусства, и что владелец прекрасного может получить от покупки.

    Произведения искусства приобретаются обычно несколькими категориями людей или организаций:

    - частными лицами (с целью коллекционирования, для дизайна интерьера, в качестве спонсорской поддержки художника либо для подарка второму лицу)

    - крупными компаниями (любые фирмы, рестораны, отели) (для декора офисов и других помещений, для привлечения клиентов, эстетического удовольствия сотрудников, увеличения уровня престижа компании и поддержания имиджа или в качестве авторитетных подарков для сотрудников и партнеров)- галеристы и магазины (для пополнения коллекции или последующей перепродажи)

    В следующих постах я расскажу более подробно о каждой категории. Пока что остановлюсь на вопросе параметров выбора такого вида покупок.

    Что обычно учитывается при приобретении произведения искусства? Вот список самых важных факторов (их последовательность может быть совершенно разной):

    - известность создателя

    - стоимость

    - «параметры» произведения (например, техника, размер, колорит, жанр)

    - эксклюзивность предмета

    - практическая ценность

    Итак, чтобы приобрести произведение искусства, важно ориентироваться в этих параметрах, знать, для чего конкретно (или для кого) вы приобретаете предмет, какую пользу бы от него получить.

    Если вы уверены в своих знаниях современного арт-рынка, разбираетесь в художественных и технических качествах произведения, точно уверены, что произведение выполнено в единственном экземпляре и не тиражируется (в том числе с помощью жикле, принтов), то можете смело окунаться в рынок современного искусства и выбирать то, что удовлетворит все ваши желания.

    А что, если человек не может свободно ориентироваться в этих параметрах? Тогда на помощь приходят арт-консультанты. Их можно встретить в арт-галереях, музеях, в интернет-магазинах или работающих от лица одного или нескольких художников. Но есть и независимые консультанты. Большой плюс их работы состоит в том, что они готовы искать вам произведение искусства не только в одной лишь галерее, а среди всех своих связей и контактов. Они не ограничены рамками одного магазина (где им выгодно продать произведение лишь из своего ассортимента) или несколькими художниками (чьи произведения вам могут ну совсем не понравиться). Поэтому вы можете быть уверены, что независимый консультант использует все возможности, чтобы найти именно ваше произведение. Кстати, консультации и работа такого арт-агента могут даже ничего не стоить. Но об этих тонкостях я также расскажу в одном из следующих постов.

    Итак, вы узнали, кто покупает произведения искусства, по каким параметрам их необходимо выбирать, и кто может помочь вам найти необходимое произведение. В следующий раз я расскажу, для чего нужны произведения искусства частным лицам.

    До новых встреч!

    Ваш независимый арт-консультант Анастасия.


  • Что такое современное искусство? - 28-07-2010
    Здравствуйте, читатели! В одном комментарии к раннему посту меня спросили - что же такое искусство? Если честно, я задумалась - а кто может ответить на этот вопрос? А ведь он действительно основополагающий в арт-мире. Раз я начинаю вас вводить в сферу искусства, то целесообразно начать с самого определения искусства.  Определений у искусства много. Чуть ли не каждый представитель культуры по-своему трактует этот термин.

    С точки зрения науки - искусство - это познание мира, но познание с помощью чувств, эмоций, впечатлений.

    Античность знала другое "искусство" - всё, что сделано руками человека, и даже не отличала искусство от ремесла. (На иллюстрации кратер - античный сосуд для смешивания воды и вина).









    Позже искусству давали разные определения.  Вплоть до того, что это любая вещь, вырванная из своего контекста. Вспомните или прочитайте о реди-мейдах Марселя Дюшана. Он просто брал вещи и помещал из в другой контекст - контекст музея, и они становились искусством. Пример такого абсурда вы видите на иллюстрации (Марсель Дюшан. Фонтан. 1917 год. Реди-мейд: фарфоровый писсуар). То есть любой предмет, выставленный художником, может быть искусством.




    Многие исследователи считают, что искусство - это обязательно прекрасное. И что не искусство вовсе то, что вызывает плохие эмоции, злость и побуждает к непотребному. Другие напротив противоречат этому, они говорят - что искусство должно выражать всё, что волнует человечество - насилие, секс, грязную политику.

    Художники авангарда доходили до того, что вовсе отрицали существование искусства!

    Еще сложнее с современным искусством. Его трактуют на разные лады и художники, и искусствоведы, и зрители. Многие современные художники считают, что искусство - это то, что доставляет эстетическое наслаждение.  Трудно не согласиться. Но ведь это уже дело индивидуального вкуса и видения! Дальше - хуже. То есть сложнее. Искусство в наше время - это в первую очередь идея, концепция. Либо пропаганда и вызов. То есть всё то, что пытается "сказать" художник в своем произведении. Итак, мы пришли к одному, пожалуй, самому простому определению искусства - это всё, что выражается художником в его произведениях. И вы можете вложить в это понятие любой смысл. Потому что нет на свете точного определения искусству.

    Сейчас термин "искусство" стал таким же универсальным, как и любой другой (например, "литература", которой стали называть не А.С. Пушкина и Л.Н. Толстого, а любые печатные издания вплоть до книжек Оксаны Робски). И мы применяем его не задумываясь над сутью этого определения.  Для меня лично настоящее искусство не может быть выражением чего-то дурного. Либо в противном случае это будет тот сюжет, который несет в себе глубинную суть, мудрость, если хотите, великую идею, но воплощение такоой идеи должно быть эстетично, приятно, красиво (искусствоведы бьют себя по губам за такое слово, для нас нет определений "красиво" - "некрасиво", но в данном случае я позволю себе так выразиться). Причем, я всей душой ратую за профессионализм. В настоящем искусстве действительно талантливых самоучек очень и очень мало. А если услышаите, что много - не верьте и вспомните, что есть такие штуки как пиар, реклама, бренд и деньги.

    Итак, небольшое подведение итогов. 

    Я считаю, что искусство - это:

    - эстетичность

    - профессионализм

    - идея

    Вы можете не согласиться со мной. Но сделать это будет трудно. :)  

    До новых встреч на страницах моего блога!


  • Зачем вам нужен арт-консультант? - 14-07-2010
    А действительно, зачем? "Это же не машину покупать, а выбирать то, что мне нравится," - сказали мне однажды. Конечно! Вы должны выбрать то произведение искусства, которое будет вам нравиться!

    Выбрали (где, за какую цену, у кого, как? - пока оставим эти вопросы), купили (и снова подробности за кадром), привезли! Ах, картина вашей мечты!

    Хм. Подождите. А картина без рамы? А вы выбрали багет, который подчеркнет достоинства вашей картины? А куда вы будете её вешать? А подходит она по параметрам к вашей комнате? А выражает ли она ваш вкус во всей его полноте? А будет ли она удивлять ваших друзей или служить для личного удовольстия? А для чего она вам вообще?

    Всё больше возникает вопросов. Мы привыкли сначала делать, а потом думать. Но покупка произведения искусства - это процесс, требующий осмысления. Вспомните, кто раньше строил дома? Не строители-мигранты, а именитые архитекторы. Кто раньше писал портреты? Не художники-самоучки, а известные талантливые мастера. А кто создавал интерьеры? Не выпускники 3-хмесячных курсов дизайна, а архитекторы в содружестве с художниками, инженерами, мебельщиками, декораторами, ювелирами. Чувствуете разницу?

    Если вы решили приобрести произведение искусства - неважно, что это будет - картина, скульптура, ювелирное украшение, авторская мебель - нужно это делать осмысленно, обращаясь к профессионалам, которые смогут учесть ваш вкус и пристрастия, ваш статус и предназначение предмета искусства, требования к произведению и его дальнейшему существованию рядом с вами. Только тогда эта вещь станет самой большой ценностью, которой будут гордиться ваши потомки.